Bei Modedesignerin Gabriela Hearst in New York lernte sie, dass man bei Materialien keine Kompromisse eingehen muss. „Alle Stoffe haben sich toll angefühlt – Das hat mich inspiriert, meinen eigenen Weg zu gehen”, sagt Hanna Fiedler. Die deutsche Nachwuchsdesignerin wunderte sich zuvor „über die vielen schönen Designs überall, die man alle nicht auf der Haut tragen möchte.” Im vergangenen Jahr gründete sie ihr gleichnamiges Modelabel Hanna Fiedler in London, mit Leidenschaft fürs lokale Schneiderhandwerk und ohne Kompromisse – fürs Hautgefühl.

Modedesignerin Hanna Fiedler

Im Gespräch mit Modedesignerin Hanna Fiedler

Modepilot: Was tragen wir auf der Haut, wenn wir Hanna Fiedler tragen?

Hanna Fiedler: „Fast ausschließlich Naturmaterialien: Das Leinen stammt von einem Trachtenbetrieb aus Österreich, die Hemdenstoffe aus der Schweiz und Italien, die Seide beziehe ich über einen englischen Händler, aber sie hat ihren Ursprung natürlich in Asien.”

MP: Nach der technischen Ausbildung zur Maßschneiderin an der Oper Berlin, hast Du in London Modedesign studiert. Was würdest Du sagen, ist die wichtigste Eigenschaft eines Modedesigners?

HF: „Du musst dich mit dir selbst auseinandersetzen und alles, was Du da siehst, akzeptieren. Sonst lässt du dich zu sehr von dem beeinflussen, was andere tun, und bleibst auf der Strecke.”

MP: Worin resultiert die Auseindersetzung mit Dir selbst?

HF: „Das Wichtigste für mich ist es, wie sich etwas anfühlt. Ich kreiere gern mit meinen Fingern: von der ersten Zeichnung, über die Schnittkonstruktion und Stoffauswahl bis zum Prototypen. Der gesamte Designprozess bleibt in meinen Händen. Das ist es, was mir am meisten Spaß macht an der Mode. Die meisten meiner Kollegen fertigen nur noch Skizzen an, der Rest wird in Italien erledigt.”

Hanna Fiedler in ihrem Atelier

Ein Leinenkleid für die Frühjahr/Sommerkollektion 2020 von Hanna Fiedler

Wie zeitlos kann Mode sein?

Bild aus Hanna Fiedlers Lookbook für die Sommersaison 2020

Ein drohender Brexit und die Mode

Frühjahr/Sommerkollektion 2020

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Mode aus Belgien wird meist gleichgesetzt mit Mode aus Antwerpen. Mode von Dries van Noten, von Martin Margiela oder Walter van Beirendonck – um nur einige Absolventen der Königlichen Akademie der Schönen Künste zu nennen. Dabei gibt es auch beachtliche Designtalente aus Brüssel, von der Akademie La Cambre: Olivier Theyskens hat dort seinen Abschluss gemacht sowie der Neue bei (Yves) Saint Laurent, Anthony Vaccarello. Die Institutionen in Antwerpen und Brüssel stehen in liebevoller Rivalität zueinander. Jetzt setzten sie gemeinsam ein Zeichen für die Einheit und gegen den Terrorismus.

Wer neue Modetalente entdecken möchte, tut ja ohnehin gut daran, einmal im Jahr nach Antwerpen und Brüssel zu reisen, wenn sowohl die Königliche Akademie als auch La Cambre in einer großen Show die Kollektionen ihrer Studierenden und Absolventen präsentieren. Normalerweise zieren die Werbeposter dieser Schauen je einen Entwurf, der in der Show gezeigt wird. In diesem Jahr steht für beide Institutionen die Eigenwerbung hinter der Botschaft an.

Stop Terrorising Our World

…steht da auf einer transparenten Tunika aus Plastik geschrieben. Entworfen hat sie Walter van Beirendonck für seine Kollektion Herbst/Winter 2015/16 als Reaktion auf das Charlie-Hebdo-Attentat in Paris. Und da Walter van Beirendonck nicht nur Absolvent des Fashion Departments der Königlichen Akademie in Antwerpen ist, sondern dieses mittlerweile auch leitet, telefonierte der eine Dozent mit dem anderen, um nach den jüngsten Anschlägen in Paris und Brüssel und weltweit ein Zeichen gegen den Terror zu setzen. "Der Fotograf Pierre Debusschere und Pierre Daras, Dozent der La Cambre, riefen mich kurz nach den Anschlägen in Brüssel an und fragten, ob sie für das Foto der Abschlussshow in Brüssel einige Teile meiner Kollektion fotografieren dürfen", erzählt Walter van Beirendonck. "Zuerst erschien mir der Gedanke etwas seltsam, da ich stark mit Antwerpen verknüpft bin, aber dann begriff ich die Macht, die ein solches Statement von beiden Schulen gemeinsam haben würde."

Das Showposter aus Antwerpen

Production: Walter Van Beirendonck, Fotografie: Ronald Stoops, Make-up: Inge Grognard, Styling: Dirk Van Saene, Grafik-Design: Paul Boudens, Foto-Assistenz: Jorre Janssens & Sander

Das Showposter aus Brüssel

Fotografie: Pierre Debusschere, Art Director: Pierre Darras, Model: Débora Fernandes Teixeira, Make-up: Florence Samain, Grafik-Design: Steve Jakobs, Bildbearbeitung: Ismaël Moumin for 254Forest, Font & Layout: Steve Jakobs

Wer jetzt denkt, dass zwei Modeschulen in Belgien mit einem Statement auf zwei Postern keine Wirkungskraft haben, irrt: In Belgien ist Mode "Made in Belgium" ein angesehenes Kulturgut und die wichtigsten Repräsentanten dieses Kulturguts sind die beiden Talentschmieden.

Bis zu den Schauen werden die Poster überall (!) in Brüssel und Antwerpen hängen und die Botschaft verbreiten.

Und wer nun tatsächlich nach Belgien reisen möchte, um nachher sagen zu können "Ach, der macht jetzt Dior? Den habe ich ja schon seit seiner Abschlusskollektion auf dem Schirm": Die Show in Brüssel findet am 3. und 4. Juni statt (Tickets hier), die Show in Antwerpen am 10. und 11. Juni (Tickets hier).

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Heute Abend wird das Designer-Kollektiv Vetements seine neue Kollektion in Paris präsentieren. Das Show-Ticket gehört zu begehrtesten dieser Pariser Modewoche, vielleicht gleichauf mit dem Debüt des neuen Chefdesigners bei Balenciaga. Denn: Demna Gvasalia ist jetzt Chefdesigner beider Labels.

Dabei wurde Vetements erst 2014 gegründet. In Internetjahren mag das eine Ewigkeit sein, für ein umschwärmtes Modelabel ist das nichts. In der ersten Saison orderten bereits 27 Händler, doch vier Kollektionen später sind es schon beeindruckende 135 Händler. Es gilt als so stilsicher wie chic, die Jeans, Kleider, Kapuzen-Sweater und Bomberjacken von Vetements während der Fashion Week zur Schau zu tragen. Und Modekritiker Alexander Fury nannte Vetements „the most radical thing to come out of Paris in over a decade.“ Kurz: Um Vetements gibt es aktuell einen riesengroßen Hype. Woher kommt der? Ein Versuch der Erklärung in sieben (einhalb) Schritten.

Vetements Frühjahr/Sommer 2016

1. Anonymität. Am Anfang war Vetements ein gesichtsloses Kollektiv

Es soll offiziell keine PR-Strategie gewesen sein und war doch die beste, die man sich hätte ausdenken können: Als Vetements zur Saison Herbst/Winter 2014/15 seine Debütkollektion in Paris präsentierte, versteckte sich das Designteam hinter einer Maske der Anonymität. Ja klar, Martin Margiela blieb auch unsichtbar (Isa hat hier ein Foto von ihm entdeckt), aber bei Vêtements gab es pragmatische Gründe: Während der ersten beiden Kollektionen war es den Designern wegen Festanstellungen in renommierten französischen Modehäusern vertraglich nicht gestattet, Mode unter eigenem Namen zu entwerfen. Trotzdem: Es hat die Modepresse neugierig gemacht. Wie bei Margiela. Und damit kommen wir gleich zum nächsten Punkt.

2. Demna Gvasalia hat bei den Besten gelernt

Und das sieht man. Demna Gvasalia hat Modedesign an der renommierten Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen studiert. Noch so eine Parallele zu Martin Margiela. Bei ihm hat er dann auch gearbeitet. Ebenso für Louis Vuitton unter Marc Jacobs und Nicolas Ghesquière. Das Schneiderhandwerk hat er sich in mühsamer Arbeit selbst beigebracht. Bedeutet: Er versteht die Kleidungsstücke, die er macht, und er kennt ihre Regeln – darum kann er sie mit überlangen Ärmeln oder verschrobenen Proportionen auch so erfolgreich brechen.

Margaret Zhang im DHL-Shirt von Vetements

3. Martin Margiela hat der Mode merklich gefehlt

Und Vetements hat diese Lücke endlich gefüllt. Denn bevor die Mode immer dekorativer, provokanter und nackter wurde, hatte Maison Martin Margiela in den Neunzigerjahren – trotz all der avantgardistischen Konzepte – am Ende immer Kleider entworfen, die Frauen täglich tragen konnten und wollten. Dekonstruierte Interpretationen von Klassikern der gewöhnlichen Garderobe. Die Models mögen maskiert gewesen sein, die Kleider die sie trugen, waren aber keine Verkleidungen, sondern erzählten authentische Geschichten. Das konnte man in den vergangenen Jahren über die meisten Designerkollektionen nicht mehr sagen. Bis Vetements daherkam.

4. Vetements setzt den Fokus auf das Produkt

Und konzentriert sich somit darauf – wie der Name schon auf Französisch sagt – „Kleidung“ zu machen, die man wirklich anziehen möchte. Denn die Kleidungsstücke von Vetements, das sieht man ihnen schon auf dem Laufsteg an, gehören raus in die Wirklichkeit. Ihre Radikalität liegt oftmals darin, dass sie gar nicht so radikal sind. Vielmehr werden simple Kleidungsstücke neu gedacht, Proportionen und Details modifiziert sowie mit kulturell mal mehr und mal weniger wertvollen Symbolen für einen starken Wiedererkennungswert versehen. Und am Ende werden ein einfaches, gelbes Shirt mit DHL-Logo oder ein schwarzes Longsleeve mit „Deutschland“-Aufschrift zum Erfolg, weil sie so simpel wie gut sind. Demna Gvasalia hat das im Interview mit der Zeit sehr schön auf den Punkt gebracht: „Ich finde es sinnlos, den Models für die Modenschauen etwas anderes anzuziehen als das, was letztendlich in den Läden verkauft wird.“ Bedeutet: Die Kundin sieht nachher im Spiegel der Umkleidekabine exakt das, was sie auch schon auf dem Laufsteg gesehen hat und ist kein bisschen frustriert.

Vetements
Frühjahr/Sommer 2016

5. Demna Gvasalia ist der neue Chefdesigner von Balenciaga

Was war zuerst da? Der Hype um Vetements oder der Hype um die Neubesetzung der kreativen Spitze von Balenciaga durch Demna Gvasalia (>>>wir berichteten). Fest steht: Auch wenn Vetements in engen Modekreisen schon vor dem Balenciaga-Coup geschätzt wurde, hat diese News den Hype noch einmal richtig befeuert. Viele fragten sich plötzlich: Wer ist dieser Kerl überhaupt, den sich Balenciaga da geschnappt hat?

6. Sie verstehen was vom Geschäft

Guram Gvasalia, Demnas Bruder, hat unter anderem International Business sowie Management in Deutschland studiert und in dem noch jungen Unternehmen die Position des CEO inne. Der 30-Jährige jedenfalls erscheint ziemlich pragmatisch und damit erfolgreich: Er hat dafür gesorgt, dass Vetements von Beginn an profitabel war, und akquirierte spezialisierte Produktionsstätten in Europa. Nun hat er eine „See now, buy know“-Strategie erarbeitet – exakt zum gleichen Zeitpunkt wie Burberry –, um die Designer in ihren kreativen Prozessen zu entlasten. Die Kollektionen haben durch den neuen Prozess nun mehr Zeit auf der Verkaufsfläche  – das hilft, mögliche Überproduktionen zu verringern. Gerade für junge Labels verschlang der alte Rhythmus unnötig viel Geld.

Vetements Frühjahr/Sommer 2016

7. Die hohen Preise wecken Begehrlichkeit

Die Preise werfen aber auch gleichzeitig die meisten Fragen auf, ob der Tatsache, dass alles „Made in Europe“ ist. Warum kostet eine Jeans, an der ganz offensichtlich ziemlich viel "herumgeschnipselt" wurde, knapp 1.500 Euro? Antwort: Weil dafür Vintage-Jeans in Handarbeit auseinandergenommen werden, um dann – ebenfalls in Handarbeit – wieder zusammengenäht zu werden. Das ganze dauert sechs Stunden. Warum aber kostet ein Kleid aus Polyester ebenfalls knapp 1.500 Euro? Auf unsere Anfrage mag die PR keine Antwort geben. Denkbar ist: Für die ersten Kollektionen konnte man sich die teuren Stoffe noch nicht leisten, danach war man schon so angesagt, dass es egal war. Denkbar ist aber auch: Das Ganze hat absolut praktische Gründe – schonmal eine Pfütze Bier auf einem Seidenkleid gehabt?

7.1 Kanye West trägt Vetements

Und Rihanna trägt Vetements. Und Kendall Jenner trägt Vetements. Aber das nur am Rande, denn eigentlich ist das an dieser Stelle ausnahmsweise mal unwesentlich für den Hype.

Vetements Frühjahr/Sommer 2016

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Am kommenden Montag ist es wieder soweit: Dann beginnen die Modewochen für die Damenmode Herbst/Winter 2016/17 in Berlin. Wir sprachen vorab mit Modedesignerin Isabell de Hillerin darüber, was die Vorbereitungen so machen und können nachfühlen, warum sie an den deutschen Modestandort glaubt...

Vorab-Interview mit Isabell de Hillerin

Ganz ehrlich: Wie viel ist schon von dem fertig, was du am 19. Januar in Berlin zeigen wirst?

Isabell de Hillerin: Es ist immer wieder erstaunlich wie viel kurz vor der Show noch entstehen kann! Aber 80 Prozent ist zum Glück schon fertig.

Was bereitet dir aktuell noch die größte Sorge?

IdH: Eine meiner Stickerinnen, Ecaterina, sitzt gerade noch in Moldawien und stellt last minute eine Stickerei für ein Outfit fertig. Jetzt hoffe ich nur, dass diese nicht im Zoll stecken bleibt!

Modedesignerin Isabell de Hillerin

Warum vertraust du auf den Modestandort Deutschland?

IdH: Es ist ja hinsichtlich bekannt, dass in Deutschland der Stellenwert der Mode flächendeckend noch nicht so weit vorgeschritten ist im Vergleich zu anderen europäischen Modestädten. Beste Voraussichten auf Wachstum!

Wenn du dir ein einziges Szenario wünschen könntest, dass dir zu einem internationalen Durchbruch verhelfen könnte, welches wäre das?

IdH: Wenn Emma Stone als nominierte Gewinnerin in einem meiner Abendkleider einen Oscar entgegennehmen würde.

Warum Emma Stone?

IdH: Emma Stone finde ich großartig. Sie ist eine sehr talentierte, sympathische Schauspielerin mit Niveau. Außerdem würden ihr meine Kleider unglaublich gut stehen!

Wie möchtest du deine Stilrichtung mit einem Satz beschrieben wissen?

IdH: ISABELL DE HILLERIN übersetzt das traditionelle Handwerk aus Rumänien und Moldawien in elegante und zeitlose Mäntel und Abendkleider.

Isabell de Hillerins Topseller aus der aktuellen Winterkollektion

Welches traditionelle Handwerk aus Rumänien und Moldawien werden wir in deiner neuen Kollektion sehen?

IdH: Stickereien sind ein wichtiger Teil darin, sowie auch in all meinen Kollektionen zuvor. Das ist die Essenz meines Labels. Ich liebe die Verbindung zwischen der traditionellen Handwerkkunst und modernen Schnitten. Diesmal habe ich verschiedene Techniken: eine handgemachte Stickerei aus Moldawien und eine tolle Art der Frottee-Technik. Ich versuche die Stickereien immer ein wenig abzuwandeln und neu zu kreieren. Außerdem verwende ich dieses Mal einen handgewebten Stoff aus Moldawien.

Welches Kleidungsstück hast du dir zuletzt gekauft?

IdH: Ein paar Socken!

Welche Socken?

IdH: Ich habe sie bei Manufactum gekauft – eines meiner liebsten Geschäfte. Dort wird ein Augenmerk auf traditionelle Handwerkskunst, kleine Betriebe und hochwertige Materialien gelegt.

Dein Topseller aus der aktuellen Winterkollektion?

IdH: Der lange aschgraue Wollmantel mit einem schwarz abgesetzten Kragen und doppelten Taschen war der Bestseller – momentan auch einer meiner Favoriten in Kleiderschrank.

Dein Lieblingsprodukt in Sachen "Beauty“?

IdH: Der Ultra Slim Eyeliner von Catrice oder das Elements Shampoo von Wella.

Isabell de Hillerins Beautylieblinge: der "Calligraph – Ultra Slim"-Eyeliner von Catrice und  das "Elements" Shampoo von Wella

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Das Modemuseum in Antwerpen weiß, womit man eine ganze Menge Frauen ins Museum locken kann: mit Schuhen. Von Manolo Blahnik, Christian Louboutin oder Salvatore Ferragamo zum Beispiel. In der aktuellen Ausstellung „Footprint“ werden davon gleich mehr als 400 Paar gezeigt. Begleitend zur Ausstellung gab es am vergangenen Sonntag einen „Breakfast Talk“ in der belgischen Stadt. Hier sprachen Geert Bruloot (Schuh-Shop-Besitzer und Kurator der Ausstellung) und Hettie Judah (britische Journalistin) mit Schuhdesigner Patrick Cox über sein Leben und seine Karriere. Cox begann als Schuhdesigner für Vivienne Westwood und machte die Designerin zum Fan von Plateau-Sohlen. Er ebnete quasi den Weg für den legendären Fall von Naomi Campbell auf dem Laufsteg. Seine Karriere verlief nicht steil, liefert dafür aber rückblickend reichlich Stoff für lustige Anekdoten.

Patrick Cox, Herbst/Winter 2001/02

Am Anfang hatte Patrick Cox wie die meisten britischen Designer seiner Generation kein Geld in der Tasche (weder für die Karriere noch für das Leben), dafür aber umso verrücktere Outfits und reichlich Tatendrang. 1983 kreierte er die besagten ersten Plateau-Schuhe für Vivienne Westwood, als er noch im ersten Semester am Cordwainers College studierte. Westwood war damals völlig pleite, wie Cox erzählt. „In ihrem Atelier war man auf Kerzen als Lichtquelle angewiesen. Bei der besagten Show 1983 warteten wir bis zum geplanten Showbeginn noch immer auf die Kollektionsteile aus Italien! Als der Lieferwagen endlich kam, lud dieser statt einer fertigen Kollektion nur Nähmaschienen, Stoffbahnen und Schnittmuster aus und fuhr davon. Also musste Backstage das ganze Team nähen und wir holten Designer wie John Galliano und Stephen Jones aus dem Publikum, um dabei zu helfen.“

Man stelle sich das mal in Berlin vor: Bobby Kolade hat die Kollektion noch nicht fertig und Marina Hoermanseder und Malaika Raiss stürmen Backstage, um noch schnell die Musterteile zu nähen.

Geld bekommen hat Patrick Cox, der 1985 sein eigenes Label gründete, für keine seiner Show-Schuhe. Nicht von Vivienne Westwood und auch nicht von John Galliano, mit dem er ebenfalls zusammenarbeitete. „Das zweite Jahr in London habe ich mir finanziert, indem ich selbst bemalte Dr. Martens verkauft habe.“ Förderung? Gab es nicht. Trotzdem hat er es geschafft. Je länger ich dem unfassbar sympathischen und brutal ehrlichen Designer zuhörte – und ich liebe verrückte Geschichten wie seine –, desto dringender stellte sich mir die Frage:

Würde ich für meine Kunst unter der Brücke schlafen? Oder meinen Traum dann doch an den Nagel hängen? Und wofür würden sich die Nachwuchsdesigner in London oder Berlin heute entscheiden? Träume bezahlen keine Stromrechnung. Vielleicht würde aber ein wenig Kerzenlicht, hin und wieder nur, manchmal die Energie und den Zauber in die Mode zurückbringen?

2007 hat Patrick Cox sein eigenes gleichnamiges Label übrigens, als es dann tatsächlich schon lange profitabel war, an die Gier seiner Investoren verloren. In dieser Saison Herbst/Winter 2015 lanciert er seine neue Schuhkollektion, für die er nun seinen zweiten Namen verwendet – Lathbridge. Die neuen Entwürfe zeigen sich deutlich kommerzieller als die Fantasie-Schuhe, die er damals für Westwood und Co. entwarf.

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Ich habe gerade heute mit einer Freundin, die sehr viel mehr von Jungdesignern versteht als ich, über den Nachwuchs gesprochen. Sie sagte: "Viele haben einfach kein Durchhaltevermögen. Jemand wie Dries van Noten hat rund sechs Jahre praktisch nichts verdient und konnte sein Label nur mit Auftragsarbeiten für andere Marken finanzieren. Es dauert eben". Erst 14 (!) Jahre nach seinem Abschluss, konnte er die letzte Auftragarbeit beenden und sich ausschließlich auf Dries van Noten konzentrieren.

Hatten Oliver Lühr und Thomas Bentz von Achtland zu wenig Durchhaltevermögen?

Nach vier Jahren und sieben Saisons gaben Achtland heute bekannt: "Wir haben eine Reihe von wichtigen selbstgesteckten Zielen bislang nicht erreicht und daher beschlossen, dass es nun an der Zeit ist, das Konzept von Achtland grundsätzlich zu überdenken“, sagte Bentz. „Wir wollen uns Zeit nehmen um zu beschließen, ob und in welcher Form wir an unsere Erfahrung und unsere Arbeit mit Achtland anknüpfen können.“ Die Kollektion für Frühjahr/Sommer 2016 soll bereits nicht mehr in Produktion gehen.

Dabei hatten sie eigentlich alles richtig gemacht: Oliver Lühr konzentrierte sich auf das Design (Central Saint Martins Absolvent), Thomas Bentz auf die Business-Angelegenheiten – klare Arbeitsteilung , wie es viele Große der Branche vormachen. Sie entwarfen für die niederländische Möbelfirma Leolux einen Cocktailstuhl (Kooperationen = Money Job) und deutsche Prominente wie Hannah Herzsprung trugen Achtland auf dem Red Carpet. Beide sind hochprofessionell, äußerst zuvorkommend, herzlich und wurden von der Presse als "Hoffnungsträger" der deutschen Mode gefeiert und mit Preisen wie dem "Bunte New Faces Award Fashion" ausgezeichnet. Zuletzt hatten sie ihr Studio von Berlin ins Londoner East End, ins hippe Shoreditch, verlegt. Dort hatten beide früher studiert und die britische Hauptstadt gilt als perfekter Standort für unkonventionelles Modedesign und junge Labels. Ziel war es, eine internationale Vertriebsstruktur aufzubauen, um mehr Einkäufer zu erreichen: "Wir hören immer wieder von den Einzelhändlern, dass wir uns internationaler aufstellen müssen", erzählten sie mir einmal während der Fashion Week in Berlin. Die deutschen Einkäufer wollten erst ordern, wenn Achtland auch international erste Bekanntheit hat. Das kann man ihnen nicht verübeln – jede Saison wird knapp kalkuliert und jede Kollektion, die sich nicht gut verkauft, tut weh. Bei Achtland lag der schwache Abverkauf sicher nicht an der Designsprache oder schlechter Qualität. Im Gegenteil: Gerade weil sie sehr hochwertige Stoffe verwenden (aber in kleiner Stückzahl produzieren), waren die Kollektionsteile sehr teuer. Zu teuer. Ein Rock für 500 Euro? Damit spielen sie in der gleichen Preisliga wie Isabel Marant und Alexander Wang.

Kann es hier trotzdem ein positives Fazit geben?

Zumindest einen Wunsch: Wir Blogger, Journalisten, Stylisten und Modeförderer müssen die deutsche Mode nicht nur auf dem Papier fördern, sondern sie auch kaufen und tragen.

Achtland im Online-Shop

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Tillmann Lauterbach

Am vergangenen Donnerstag, den 13. März, war es soweit: LVMH verkündete die 12 Finalisten, die in die engere Auswahl für den LVMH Prize gekommen sind. Unter ihnen der in Paris lebende deutsche Designer Tillmann Lauterbach, der seit 2007 sein eigenes Label führt.

Insgesamt waren es 1200 Designer, die sich um die begehrte Trophäe bewarben. Während der Modewochen Ende Februar in Paris waren es 30 von ihnen, die der Jury bestehend aus Nicolas Ghesquière (Louis Vuitton), Anna Wintour, Karl Lagerfeld, Humberto Leon & Carol Lim (Kenzo), Raf Simons (Dior) und Riccardo Tisci (Givenchy) ihre Entwürfe zeigen durften. Nun wird es spannend, denn der Preis zählt mit 300.000 Euro zu den höchstdotierten Auszeichnungen, der nur noch vom ANDAM Preis mit 750.000 Euro getopt werden kann. Hinzu kommt der exklusive Name des weltweit erfolgreichsten Luxusunternehmens LVMH (Jahresumsatz 2013: 29,15 Mrd. Euro).

Tillmann Lauterbach Spring Summer 2014

Unter den Finalisten (Übersicht auf lvmhprize.com) gilt ebenfalls Julien Dossena des Labels ATTO hervorzuheben. Er war zuvor 5 Jahre bei Balenciaga tätig, als noch Ghesquière die kreative Führung inne hatte. Modekritikerin Cathy Horyn beschrieb seine Spring Summer 2014 Kollektion als eine Mixtur aus französischem 60er Jahre Chic gepaart mit japanischem Minimalismus und lobte zugleich seine Unerschrockenheit, Materialien wie Neopren und Jersey miteinander zu kombinieren. ATTO ist schon jetzt unter anderem im Le Printemps in der Abteilung von Trendspotterin Maria Louisa, bei TheCorner.com, Dover Street Market und Saks Fith Avenue zu finden.

Man darf gespannt sein, wer die Auszeichnung entgegen nehmen darf, denn eines ist klar: Diese Auszeichnung ist mehr als nur ein Geldpreis.

ATTO Spring Summer 2014

Photos: Catwalkpictures, PR

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Momente, in denen man etwas Neues, Frisches sieht, gibt es in der Modebranche selten. Zumindest dann, wenn man sich Tag ein, Tag aus, damit beschäftigt. Zuletzt war es die Spring Summer Kollektion 2012 von Kenzo und Valentinos Haute Couture Schau für Spring Summer 2013, die mich stark beeindruckten.

Heute darf ich Euch eine neue Designerin vorstellen: Rosie Assoulin. Einkäufer sollten jetzt schon mal den Namen notieren, denn die High-Fashion-Magazine werden sie lieben.

Die gebürtige 28jährige aus Brooklyn versuchte sich laut WWD ursprünglich auf dem Fashion Institute of Technology. Nach vier Monaten habe sie den Eindruck gehabt, dass es nicht das Richtige für sie gewesen sei und absolvierte deshalb Praktika bei Oscar de la Renta und bei Lanvin in Paris. Anschließend arbeitete sie für einen gewissen Zeitraum für die Designer Adam Lippes und Brian Reyes. Zu guter Letzt noch ihr Job bei der Mutter ihres Mannes und Geschäftspartners Max, Roxanne Assoulin, die als Lee Angel Schmuckdesignerin tätig ist.

Dass sie sich der Herausforderung, als selbständige Designerin zu arbeiten, gestellt hat, verdankt sie zwei Freundinnen: der New Yorker Fivestory Besitzerin Claire Distenfeld und Leandra Medine von The Man Repeller. Zwei Frauen, die ihrem Traum folgten und sie mit den Worten bewegten: "Rosie, do it. You'd be crazy to do it, but even crazier not to."

Was bleibt zu sagen: Mit der Resort Collection 2014 zeigt sie ihre technischen Erfahrungen im Business. Es wird drapiert à la Elbaz. Es wird geschneidert à la Renta und es wird gestylt à la The Man Repeller. Die Kreationen wirken gekonnt, vertraut und doch frisch, dynamisch und unentwegt kreativ. Hosen treffen auf asymmetrische Tops. Kleider sind gemacht für "Desk-to-Dinner"-Geschichten und exklusive Cocktail-Partys. Alles in allem eines der vielversprechendsten Labels seit Langem.

Photos: RosieAssoulin.com

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Gemach, gemach - es geht nicht um den Chefdesignerposten bei Louis Vuitton, sondern um die Schirmherrschaft des Designer for Tomorrow Awards von P&C Düsseldorf. Bisher kürte bekanntlich der US-Designer den Sieger, den der Filialist im Rahmen seines Nachwuchswettbewerbs jährlich in Berlin auslobt. Nach zwei Jahren Jacobs übernimmt nun McCartney. Nicht minder spannend - und ein bisschen internationaler Fashion Glamour bleibt uns dann zur Fashion Week in der Hauptstadt erhalten...

Foto: catwalkpictures.com

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Vorhin wurde der Nachwuchspreis New Faces Award Fashion von BUNTE in Düsseldorf verliehen (Gewinner: Mein Favorit Dietrich Emter). Barbara Schöneberger, die den Abend moderierte, verkündete mit den überbetonten Worten "Ja, ich kümmere mich um Nachwuchs" (Zwinker, Zwinker) ihre zweite Schwangerschaft, was ihr ein schöner, kleiner Kugelbauch eigentlich vorweg nahm. Die Welt der Kinder beschert uns, und das ist für unser Modelexikon interessant, einen neuen Superbegriff: Barbara Schöneberger definiert, um auf den Schuhdesigner-Preis überzuleiten, das Ready-to-speak "Barbie-Fuß". Es handele sich dabei um die Fußstellung, die auch nach dem Ablegen von High-heels ihre Form beibehalte. Die Beschreibung wird sofort übernommen – viel schöner als Hohlfuß!

Übrigens teile ich diese formvollendete Fuß-Fehlstellung mit Frau Schöneberger....

Wobei: Bei einer Barbie-Puppe würde man die Riemchen-Abdrücke jetzt wohl nicht sehen. Grüße aus dem Hotelzimmer!

Fotos: screenshot Bunte.de(1), modepilot/modejournalistin(2)

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